梁震明水墨創作與材質研究

鄰近靳珩公園，位於立霧溪與魯丹溪交會處的印第安酋長石，是花蓮太魯閣國家公園相當著名的地質景觀，因視角的錯覺，組構出有如人臉造型的奇石群，矗立在溪畔上，讓人忍不住想多看一眼，好見識這巧奪天工般的自然奇觀。 創作此實景題材也有一段緣份，雖然年少時也曾造訪過太魯閣，但從未認真去觀看此奇石，總是來去匆匆，直到2017年三月底，因緣際遇，受到譚精忠先生熱心的提點與鼓勵下，在同年的四月中，終於再次站在步道上，仔仔細細的端詳它的存在，認真思考該如何表現並用什麼樣的技法來呈現？也讓自己體會到際遇的巧妙及存在的價值是需要用心去觀察與體會，就算身邊充滿著金山銀山，若無心亦不懂好好珍惜，再多的黃金白璧握在手中，也是枉然。 後來在2018年11月的台北藝術博覽會發表了以此為題材的首張作品「奇石乾坤系列之三」，但總感仍有再深入表現的空間，所以只要有機會就去走走，時間允許下必往花蓮跑。直到2019年6月6日傍晚，原本預計在宜蘭南澳農場來個三天兩夜的露營活動，不過隔天一早看到氣象報導發現東部地區天氣還不錯，當下就決定再往南到花蓮采風。走在清水斷崖路段，腦海中突然有個念頭，好想感受24小時待在太魯閣，擁抱那群山環繞，溪水潺潺的感覺，故此也就刻意紮營夜宿在先前勘查多次的太魯閣國家公園公設合流露營區，期望能夠發現其他創作表現的可能性。 不過整晚悶熱難耐，輾轉難眠，好不容易熬到破曉時分，立即睡意全無，望著眼前的巍峨青山，靄靄白雲，好氣自己為何不像之前一般，不住鄰近的度假飯店， 躺在舒適的床上， 吹著那好眠的冷氣，好整以暇的優雅的走走看看即可。山中歲月，果真不如我們長居城市之人所能想像那般美好，也讓那種為何而來的企圖，徹底獲得精神上巨大支撐，心中暗自決定必定要努力把鄉土的好，用自己的情感，用自己的能耐，認真的畫出，不然先前付出的汗水與時間，就無法藉由作品完整體現，因此歸來後才又動筆畫出目前所見的新作。 背後的故事總有說與不說，寫與不寫的兩難之處，就當一則小小趣事分享給有興趣的朋友們知悉見笑啦！ 延伸閱讀： 梁震明痞客邦 台灣清朝龍柱介紹

國立成功大學歷史系所美術史教授 蕭瓊瑞 梁震明的細筆山水，是戰後台灣水墨現代化運動中，從材料學與物象學一路切入而獲得具體成果的代表性藝術家。 1971年次的梁震明，並未經歷台灣1960年代的抽象水墨風潮，也未能得見1970年代的鄉土運動，在他稍稍懂事的年代，台灣已經進入1980年代的美術館時代，而在裝置、數位，乃至行動多元蹦發的90年代，他卻獨獨選擇了以看似最為傳統的毛筆水墨，作為創作的工具和媒材；這似乎和他作為「外省第二代」、且出生成長於被視為具有濃厚「眷村」特質的高雄岡山，有著一定的關聯，而在學校擔任工友、獨身撫養三個小孩的父親，更是引導、支撐他孤獨奮鬥、精勵上進的重要支柱與力量。 國小畢業，在韓永、李春祈等老師的啟蒙下學習水墨畫，一路從國中美術班、高中美術班，在1991年考入校區仍在蘆州的國立藝術學院（今國立台北藝術大學）美術系，師事李義弘(1941-)與林章湖(1955-)，也正式展開了他水墨繪畫的探研之旅。 1993年，他以碎筆萬點的手法，表現台北草山、九份地方的芒草，呈顯一種荒蕪與孤獨的美感，開始了他「水墨台灣」的系列創作，也引起了眾人的注目。1994年，他除了獲得該系系展水墨組第一名的成績，同時也獲得了馬壽華獎學金，及張穀年獎學金第一名；隔年（1995），再獲張穀年獎學金第一名，及劉延濤獎學金第一名，這些傳統水墨畫家的獎學金頒給，在在肯定了梁震明在傳統水墨方面的用心與成果。不過，如果更深入地考察梁震明在這段學習過程的面向，便可以發現他自我要求的廣度與深度，包括在中國美術史、佛教史、器物史，及日本膠彩畫的多方學習；1996年，更獲得慈濟藝術類美術理論組的獎學金。 這一切的努力與成績，反映了這位年輕的水墨研習者，顯然不願拘限於傳統水墨的窠臼，意圖尋找出另一條更為寬廣而深入的路徑。他曾說：「倘若我們將水墨視為單純的一種材質，那麼其屬性是否該被深入的探討。因為我們對這些材質的認知，經常來自傳統的規範，而較少本我的分析、推理與判斷。當我們對眼前的任何事都視為理所當然的時候，缺乏進一步的思辨，就會矇蔽自我的智慧，如果僅是相信前人的體略，卻沒有去思索其背後所隱藏的道理，蕭規曹隨般的跟隨其步伐，必然無法超越他們的成就，提出更有開創性的見解。」 在大學時期全方位的學習，以及短暫的中學教職後，1999年，梁震明重回母校，進入美術創作研究所...

這幾年又密集走訪花蓮太魯閣國家公園，被燕子口和九曲洞的嶙峋河谷地貌深深吸引，高聳入雲的青山外，亦見到許多超乎想像的白岩奇石立於立霧溪畔，這些裸露的雲石，無論是黑白相間或是潔白無瑕的石色，都令人目不轉睛。 從此地的奇岩看見水的作用是無比的激烈，塑造的奇形更是鬼斧神工，看似堅硬無比，卻因經年累月的侵蝕而富有流水的痕跡與語彙，這種視覺感受是不同於龍洞四稜砂岩的節理，極具剛柔並濟的象徵意涵。 其實當下有種體認，倘若能飛離步道站在溪谷中，近觀仰望這些怪石，必定更為震撼，但現實難以為之，也就將此天馬行空的念頭放在腦海裡。數次歸來後，夜裡突然想起想像是藝術家們最可發揮的工作之一，萬景千石皆可挪動隨意組織，亦可刪減去蕪存菁的。 如何將所畫題材營造出有如太魯閣峽谷那般的視覺強度？藉由台灣各地搜羅的奇石圖像，以小觀大，用貼近藝術的手法，假像虛構的方式，將其搬到近雲山巔處，當想像的連結空間變大，方寸之間的畫面也就有更為大器的可能。 或許在畫奇石乾坤這一系列作品的當下，心裡想的可能不是要畫得多細，而是何法可讓作品更有靈氣？山因雲而有生氣，水因石而有激盪。孤石豎立，百般感概，卻因周遭的介入與呼應，讓頑石點頭，一切的宇宙剎那間更加開闊。其實這也是我最近心靈改變的寫照，今年做的最瘋狂的事情就是把許多不滿意的作品銷毀，把跟隨自己十餘年的舊物拋棄，唯有捨得，才能改頭換面。 又回到以黑白為基調的畫面，雖是熟悉的過往，但試用過百種的黑與墨後，抉擇的黑是岩彩的純黑，白則是岩胡粉，試圖呈現一種非傳統色調的水墨語彙，並隱喻島嶼文化對個人創作影響的衝擊，在先天資源匱乏的環境下，認清個體的侷限而願意接納更多新的創意與事物，期許建構全新的未來。 每件作品都是放了許久，一看再看，一改再改，反覆檢視，苛刻對待，提高觀察的深度，拉長創作的時間，無非是想跳脫單純的紀遊描寫，不斷探索為何而畫的本質與意義。有時單純的實，在視覺上是難以表現實更實的效果，加入虛的元素才能成就。懂得畫實，補點虛，那實的感覺就有更為渾厚的張力，學習無法速成，道理看似簡單，卻也只能一點一滴，盡力探索，一筆一畫，用心積累。

影片中介紹關於書畫常用的墨條、墨汁和黑色顏料，用淺顯易懂的文字陳述東方藝術重要材料-墨的奧祕，分享給一般普羅大眾知悉與了解。 例如松煙墨是用松煙加膠而成的墨品，是最早能稱之為「墨」的墨種，透過講究的工序，達到書畫用途的目的。 試將其製作的方法及使用的情況，整理介紹如下： 1.松樹富含油脂，有易燃的特性，可獲取較多的煙料。 2.非用松樹的枝葉來燃燒獲取，而是將松幹裁切成木條後再行處理。 3.松條每次燃燒不能過多，僅能三、兩枝，若量大煙暴，反而有損煙質。 4.唐代是用立窯取煙，宋代則是用臥窯，設置的地點也有分平地型和山區型兩種。 5.臥窯取得的煙料較立窯為佳，是因為距離火源較遠，能取得更為細小的碳粒。 6.每次必須連續燃燒7日後，等到窯內溫度下降後，再用扇子輕輕刮煙。 7.收集到的松煙，最細的拿來做佳墨，次等則印書用，最粗的則是當油漆塗料用。 8.印書需用大量的墨，是直接將松煙料與膠料直接調和成墨水來用，所以古籍印刷的字跡絕大部分是用松煙印成。 9.松煙無油光但偏藍光，是因為所含碳粒較粗所造成的反光現象，所以日本稱其為「青墨」是有道理的，且專門用來畫水墨畫。 10.磨松煙墨時，常會有砂丁刮硯，可能是因為煙料中殘留燃燒過後的雜質，或是不慎掃下的窯壁砂土。 11.松煙墨的墨性是較油煙墨適合水墨創作使用，是因為其所含碳粒的粗細範圍較廣，能產生較為分明的墨色變化。 12.若以煙料取得難易來說，松煙還是較植物性油煙來的簡單且量多，所以價格較為親民，當寫大字或練習書法時是最佳的選擇。 13.若寫篆隸字體，因不求速度感，松煙墨是較為合用，且書寫的墨色也會較油煙墨更能達到渾厚飽滿的視覺感。 14.在物質缺乏的年代，先民曾用鍋底黑來替代松煙，代表兩者的材質特性十分相近。 15.明清時期雖是油煙墨興起的年代，但僅少數文人雅士有能力負擔使用，所以松煙墨還是佔有較大的市場，從未消失，而真正大量流失客戶的時間，可能不到百年，在礦物性油煙墨的出現後，才徹底改變。 從上述的介紹，傳統書畫家使用松煙墨的歷史，可能超乎我們想像，而現在無論是寫字畫畫，都是用礦物性油煙製成的墨條和墨汁，讓我們誤以為以前的油煙墨就非常廉價，甚至比松煙墨還便宜。其實如果我們是買純植物性油煙製成的墨品，保證價格還是依舊會讓您我大吃一驚的。

此作是梁震明少數粗筆寫意的作品，由數年所累積的實力，以極簡的用筆與設色，將實景的龍洞地貌轉變成極具個人特點的山水世界，並建構一種似真似假的虛幻美學風格。為求突破，他大膽嘗試了幾種新的顏料於作品當中，刻意使用純黑的日本膠彩礦物性顏料以取代墨色，並用細筆反反覆覆重複加強線條的力度，而創作此件似水墨又非水墨的作品，試圖擴展東方水墨畫表現的可能性與未來性。 ◎ 2017年CIGE 北京中藝博國際畫廊博覽會參展作品之一。 ◎ 紙本設色 110x98cm 2017 梁震明痞客邦

藝評家蕭瓊瑞教授說：「梁震明的細筆山水，是戰後台灣水墨現代化運動中，從材料學與物象學一路切入而獲得具體成果的代表性藝術家。」 這是一件歷經三個月的時間才得以完成的作品，以視覺寫實的概念試圖具體而微的將眼睛所見畫入方寸之間。 ◎ 2016年台北國際藝術博覽會參展作品之一。 ◎ 2016年國立中央大學藝文中心「墨像之外」個展參展作品之一。 ◎ 紙本設色  52x99cm 2016

奇石乾坤系列是以台灣各地的奇石為表現主題。此石是位於東北角龍洞，外弓如劍般的造型，極似遠古生物劍龍背部的骨板，體現造化神奇之力。將此奇石表現如類山水，亦是此系列重要創作理念，一花一草一世界，微能成大，幻化萬千。 畫於銀潛紙上，用純黑和岩胡粉描繪。從大景到獨石的描寫，這之間的轉化，實有脈絡可循，更關注於石與我之間的心靈對應，讓個人創作融入老莊無為而為的思想特質。一切盡在無語中，空靈萬化在胸中。 ◎紙本設色 110x98cm 2017  ◎ 2017年CIGE 北京中藝博國際畫廊博覽會參展作品之一。

此次展覽我使用了相當多的水性黑色顏料來處理自我創作的一些問題。首先為何會用黑？從前我只是將黑色顏料視為墨色死板時的救畫材料，但現在則是體認到墨色的使用價值之於我的關係，也就是我所創作的是水墨畫，還是黑色的山水世界。 對我而言，墨是慣性選用下的選擇，因為從學畫開始，畫水墨必定要用墨畫。這種邏輯似乎是理所當然，牢不可破，可是墨必然對我產生意義，卻是可以思考的。  墨與黑的差異，就我的認知在材料屬性上，墨所含碳粒較細，色調較為固定，黑則是較粗，亦會因成分不同而有不同的色調變化。所以因為墨的材質特性被極度的細膩化而有色調中性的特質，也因此墨已不具西方繪畫顏料應有的色彩性。換言之西方的黑是要其碳粗，東方則是細的部分，因其細故可將個人的氣質與情感藉由筆的墨抒發出來；在前人使用觀念上，墨是偏重寫，黑則是畫。在東方藝術中，墨是刻意被獨立出來的一種材質，且與書寫功能關係密切，當轉借到繪畫上，就自然產生了「書畫同源」的概念，亦適當的解釋原本寫字的墨為何可用於繪畫上的理由。也因此兩種黑色顏料一定在視覺效果上有所差別，才會被區分開來，可是我們從不會站在色調差異的角度去選擇墨條。  不過上述的分析，只是一種認知上的見解，不代表我能以寫景就用墨，畫山就用黑的觀念來完成作品，反而經歷學著用墨、試著用黑、堅持用墨到墨黑共用的使用過程。至於觸動此轉變的最大因素並非自我否定了墨的精神價值，而是體悟到其難以成為當下藝術環境的共通語言，當我們視墨為黑，或視黑為墨，黑就成黑墨，墨亦成黑彩；反之仍是黑是黑，墨是墨，自然黑永遠是黑，墨依舊是墨。  從用黑的經驗來論，它至少提供我五種契機，一是由於喜歡平塗及多次積墨的處理手法，畫面容易灰暗，加入黑色顏料能讓作品產生新的進度，又能繼續添筆；二是因為黑淡之間的色調差異難以掌握，無形增加下筆的次數，也就增強了自我創作奮進的企圖；三是許多時間是透過遊戲和實驗來認識黑色顏料的可能性，透過此方式也就解構了自我養成的創作習性；四是黑色顏料對我而言，不單只是一種色彩元素，而是充滿我試著解開水墨畫沉重包袱的期待。又為何加入黑色顏料就能充滿期待？至少它產生了不確定的因素，而這種不確定，也就讓我對黑色顏料產生了革命性的情感。在這種情感下，自然會用盡一切的方法，試將墨與黑色顏料作完美的結合...

回首數年來自我的創作經驗，題材上多是隨機挑選，時而畫山、時而畫草，但遲遲未有專題性系列作品的誕生。首次選擇以「海景意象」為題，將錯落的磊石、堅硬的岩壁、白皙的沙灘、孤寂的島嶼、蔚藍的海潮、高聳的燈塔和歸航的舟艇做為描寫與組合的對象，亦將思想情感與此些景物不斷在腦海中激盪且轉化，並將一幅幅意念聯想的心靈畫面及物象與意念交流下獨特營造的理想宇宙畫出。所以「海景意象」的系列作品主要是期待呈現有如超脫現實般的意象空間，並將個人藝術推向虛幻美學的方向。 為了此次創作，密集的走訪台灣各地的島海景觀，如澎湖的目斗嶼、姑婆嶼、桶盤嶼、吉貝島、望安島和七美島；宜蘭頭城、龜山島、南方澳、南澳粉鳥林；東北角貢寮龍洞及鼻頭角；北海岸淡水、石門麟山鼻、老梅；苗栗後龍外埔、通霄白沙屯；台中梧棲高美溼地及屏東墾丁和滿州旭海等地。齊物而能悟道，效法萬物，審象淨心，理解天地物我存在的價值與意義。千岩萬語，以石仿人。無論是麟山鼻的風稜石或是苗栗後龍外埔石滬裡的鵝卵石，歷經千秋萬代的風化與浪蝕，自有訴說不完的故事與遭遇，又如今在造化無為的安排下彼此相聚，而世間眾生的際遇，亦是如此，總然隨遇而安，隨緣而遇。故畫磊石看似複雜，卻僅需信手佈置，無須刻意，因落筆當下，即有一套邏輯與規則，自然交織。 壯觀的人造建物喻含著令人心酸的船難。目斗嶼位於澎湖群島的最北邊，與吉貝島相隔七公里。附近海域暗礁羅列，船難頻傳，故建 40 公尺鑄鐵黑白相間塔身的燈塔，矗立在玄武岩組成的岩礁之上，而散發出巍峨的氣勢。偶然機會從網路上看到此塔，特異虛幻的景象，衝擊著自我積累許久的視覺經驗，故遍詢前往的方法，但唯有一位船老大願意開船至此，更增添此地的神祕面紗。最終如願搭上今年首航船班，攜家帶眷齊同出發。而航行的途中更能瞭解澎湖北海海域的險惡，水淺礁多，唯有漲潮時才能安然通過，也難怪要蓋上如亢的燈塔告知往來的船隻。 因難忘多變的地質景觀，似真似夢的海天美景和純樸樂觀的鄉土風情，故連續三年遊歷澎湖諸島。夏日徐徐的微風，滿布珊瑚的淺海，炙熱火燙的陽光，讓菊島海景擁有如鏡般出奇平靜的魅力，引人迷戀，駐足在望安島網垵口海灘，不僅可將碧海藍天盡收眼底，也能讓自我心靈即刻沉澱下來，洗盡塵俗煩憂。黃昏時分，在潔白珊瑚及貝殼碎屑組成的白沙相伴下，愜意的欣賞落日餘暉，靜看潮間帶彎腰撿拾的村民緩慢移動身軀，此...

「千岩萬語」是在「海景意象」創作經驗的基礎下，以龍洞岩海做單一主題的探討與表現，並著重在描寫對象與自身生命經驗的對話。 龍洞位於台灣東北角，屬於岬角地形，與鼻頭角遙遙相望，地質年代為3500 萬年，灣岸弧形如蛟龍盤據，佈滿堅硬又節理分明的四稜砂岩，雄偉的海崖峭壁，嶙峋崢嶸，是攀岩和浮潛愛好者的勝地。  因大學時期在李義弘教授的帶領下，有機會走訪龍洞，而與此地結下不解之緣。研究所時期所繪手卷〈蒼巖秀水〉，是象徵當時對此地觀察的體現。而海景系列的〈龍洞之歌〉一作，則是用四張金潜紙版所組成，以其相當具有特色的海岬地形為題，加以重組增減而成。  從攀爬龍洞的經驗來說，無疑是一種與自然學習的機會。因為一路徒手往前，邊看邊拍，除了佩服造化者的無窮能力，更有感自我的渺小與生命的短暫。故千岩萬語系列是將千秋萬載因風化海蝕所累積的岩語轉化於紙面上，岩詞藏於石表，各種的肌理和紋理錯落密布，是適合水墨材質表現的，也因此筆者使用許多細筆來描寫，其動機正是來自於對此地岩海的觀察。   畫如其人，筆者會選擇畫石，適合寫石，都是在因緣際會下逐漸體會而來。當然先前就迷上畫遍地小草，或用碎筆點葉來鋪陳整張山水畫面，而有耐心來處理如此繁瑣的石塊岩堆，又著書寫作的過程更讓筆者頑固執著的個性得以流露，而開始畫石的創作階段。故創作之於我，是個人對生命的觀察和體悟的表徵，找出適合自我個性的題材與畫法，也才能盡情揮灑。   此系列作品是採用細筆山水的創作技法。其特色是遠觀有一定的格局，但近看又能見其滿布的細節，類似北宋山水畫的表現形式，且往往是兼工帶寫，或先寫後工，將工筆的描寫方式融入在寫意畫法之中，達到遠讀氣勢雄偉，近睹細筆如絲，用傳統的筆墨功力，散發當代的審美情趣。  細筆畫法具有濃郁的東方式寫實精神，因其著重的概念是將寫描之對象具體而微，真誠以繪。換言之，用最樸實的態度面對自我的創作，一筆一筆慢慢的描寫，塗塗抹抹，一改再改，方法雖然很笨，毫無智慧可言，但也是最貼近自我作畫的最初動機，而吾師倪再沁教授就經常告誡我們要用笨方法畫畫。 用紙上筆者是將金銀潜紙再次處理，使其擁有半生半熟的紙性。在基底處理上，則是刻意將金銀之粉加入白色顏料中，當不斷渲染與塗抹後，其會轉而累積在紙面上，故有增進質感的作用。而將...

身為一位台灣中生代當代水墨畫家，梁震明是極少數堅守持續創新的藝術工作者，從2012年起他即用盡全力以台灣東北角龍洞作為創作的主軸，為了加深對當地的了解，這些年來往返不下數十次且利用不同的時間氣候及相異的觀察重點，反覆的駐足遊歷，爬上爬下的拍攝了數千張的影像檔，足跡踏遍所能觸及的所有景點，更進一步用空拍機捕捉難得一窺的角度，如此費盡氣力，也是為求創作出與眾不同的作品。梁震明說：『畢竟這是個每位畫家都能創作的地方，如何別出心裁，就要看畫家在此下了多少苦工夫。』揹著單眼相機走到汗流浹背，氣喘吁吁是一定要的，摔掉一台五萬元的空拍機是必要的投資，照片反反覆覆看了又看，是經常必需做足的功課，畫壞了則是剛剛好的條件。 在這五年的時間裡，其作品每年皆有新的創作方向及目標，後三年舉家搬遷到人生地不熟的桃園鄉下，孤獨時常陪伴他，只為求更潛心在畫藝上的追求，材料的耗損也極為驚人，他自己估算大概已用掉百餘隻的新筆，幾百公克的礦物性顏料，畫壞了數十張的作品，從十幾張到後幾年每年的創作件數都是個位數繳交，作品琢磨的時間越拖越長，不是他偷懶，而是為求面面俱到，越加秉持感覺對了才能動筆的堅持。他也曾迷失困惑過，某年撞牆連續畫了數張自己都不滿意的作品，最後才體會到身為一位山水畫創作者必須常做的一件事情，就是要經年累月的擁抱自然，喜好露營的他，已經露遍台灣各地，他說：『畫空了就要充電，有了新的靈感才能畫下去呀！走一趟龍洞，露上一回，精神就回來囉！』 之前的細筆山水，到去年對寫實水墨的專研，今年的梁震明又回到起初創作海景系列的想法，試圖建立一個虛幻美學的風格，只是在色料的選擇上，轉用日本膠彩畫的礦物性顏料，對於岩石與海浪的虛實關係有了更多的著墨，線條不再求多，精煉到位是他期望達成的目標。那明年呢？祖籍廣東茂名，卻能說上一口流利台語的他笑笑著說：『也不知道耶，每天充實的過生活，畫到精疲力竭的時候，媽祖就會提示囉！』五年是個說長不長，說短不短的時間，竟可創作出數種不同面貌的單一題材系列作品，而對於水墨圈來說還算歲數年輕的他，已有這般紮實的創作底子，怎不令人期待他的新作發表呢？（羲之堂提供）

不僅是墨與黑的戰爭，也是書與畫的消長。如果把墨視為一種顏料，則世界上大概無墨般被如此廣泛使用與製造。 就前人製墨的重點來說，墨的材質特性與書寫的用途，是較為貼近，而與繪畫較為疏遠。因為無論是晁氏的《墨經》，還是沈繼孫的《墨法集要》，在他們對於碳粒的粗細、膠性的強弱、膠量的多寡或用藥的目的等等之製作觀念中，我們都無法找到因為繪畫用途的需求，而調整的製作方向。 另外，前人所談到有關墨色的部分，也應該都是非指繪畫的墨色。同樣的，前人對筆紙的研發和改良，也似乎與墨相同，多數是為了符合書寫的功能，而加以改進的。 因為就晁氏的觀點來說，墨品的優劣，如果是以墨色為依據的話，則是紫光為上，白光為下。但又為何會有如此的品斷標準，正因前人製墨的目的，是在書寫，而書寫的價值，在於溝通。而我們閱讀時，當然是字體越清楚越好，也就是黑色字體，越為明顯，越容易閱讀。故此，前人對墨色的要求，是以紫黑為上。 而造成白光的問題，筆者認為與墨中所含膠量的多寡，有著密切的關係，且含膠越多，出現白光的機會，也就倍增。不過這樣的問題，對畫家而言，並不會造成過多的困擾，甚至還會故意添加膠水，以減少畫面的筆觸，如明沈襄在《梅譜》中，其注云：「塗紙與絹地，大凡塗紙地，用膠水攬於墨水中，方一色而無痕跡。絹地則為用墨水而不必用膠」可見墨中的膠量多寡，對畫家而言，是無關緊要的。 在水墨畫中所使用的材料之特性，可說大部分都是為了符合寫字者的須求，而量身訂作的，例如對碳粒的要求，是越細越好。正是因為當墨中的碳粒越細，越能消除與筆紙間的摩擦力，且能產生的墨色變化，也就越多；對紙性的要求，則是首重紙張的光滑度和吸水性。光滑度是為了降低筆尖與紙面的摩擦力，以達到墨線的完美呈現；而吸水性則是讓筆尖的墨，能夠快速的滲入植物纖維中，以減少運筆的時間；對筆性的要求，若就繪畫的使用來說，中國書寫類的毛筆，雖然也是極為適用於繪畫上，但若是再與水彩筆相較，則顯然還是筆尖過尖，筆鋒過長，反而不如水彩筆來的用途單純，僅用於繪事中。 另就筆者實際使用經驗來說，某些製作精良的油煙舊墨，並不適合於繪畫使用，因為有難以磨濃畫黑的問題，尤其是在墨色的對比上，效果極為有限。又為何精製的油煙墨，是無法磨濃畫黑，正是因為其中所含碳粒過細，佔有比率又過於偏細所導致的。 就油煙墨和松煙墨，兩者在線條的表現上來說，若以宣紙畫線來說...